作为画廊周北京2020的首席生活方式合作媒体，《罗博报告》出版人兼主编邢丽女士将出席5月31日下午的“当代艺术如何影响生活” 艺术沙龙，与画廊周北京总监王一妃、星空间创始人、艺术总监房方，围绕艺术跨界与艺术走进大众等线月份举办的第四届画廊周北京正式宣布开幕。一扫疫情期间门可罗雀的景象，这一天，798艺术区人潮涌动，22家画廊和机构在疫情后的首次集体亮相，让我们看到北京艺术界在停滞近半年之后的重启与复苏。正如北京798文化创意产业投资股份有限公司董事长王彦伶所说：“越是在这样艰难的时期，越需要一个率先重启的艺术平台和项目，提振士气，活跃行业气氛。”

　　画廊周北京2020总计呈现29个实体展览：其中主单元聚集了北京地区22家杰出的画廊和机构，也包含了致力于推广中国青年艺术家策展人的新势力单元展览和展现大型雕塑装置作品的公共单元展览。

　　部分囊括了以全新品牌亮相的SPURS Gallery、刚刚完成升级改造的长征空间、蜂巢当代艺术中心、常青画廊、当代唐人艺术中心、站台中国、北京公社、麦勒画廊、今格空间、星空间等画廊，为我们呈现段建伟、邱志杰、赵赵、朱昱、邱世华、汉斯·贝克、卡德尔·阿提亚等众多国内外知名艺术家个展。还有亚洲艺术中心、东京画廊+BTAP、山中天艺术中心等2020届的新参展画廊带来更多精彩展览。

　　值得一提的是，自2018年设立以来，“最佳展览奖”一直是画廊周北京的关键活动之一。今年，该奖项首次被分为两类，以回应平台的不断扩展和中国当代艺术格局的变化。为了鼓励和支持新生代艺术家，“创新奖”颁发给了由北京公社呈现的，来自湖北武汉的年轻艺术家葛宇路的个展。与此同时，聚焦成熟艺术家纯熟的技法和对于当代艺术各自的付出，“贡献奖”空前地被授予两个获奖者：长征空间的朱昱个展“静音”和蜂巢当代艺术中心的段建伟个展“浮生”。

　　于2019年第一次亮相，以主题群展的形式，聚焦于中国年轻艺术家的创作面貌。本届的新势力单元群展由张涵露策展，作为画廊周北京2020开幕导览的第一站，这个以“那看见万物的、知道万物的，就是万物”为题的群展令人惊喜，点点宣传部、胡庆泰、蒲英玮、童昆鸟、吴思簌、张文心等艺术家用作品将798艺术中心的展厅构造成沉思、虔敬和启示的场所。

　　展览“塑丨像”，丹尼尔·布伦、蔡磊、何岸、李维伊、刘謹、能尖日、丹尼·埃拉帕利马尤、铁木尔·斯琴、隋建国、叶甫纳、郑路等艺术家的大型雕塑和装置作品分散呈现在798艺术区不同区域，除了让我们思考艺术与公众的关系之外，还成为了大众的打卡胜地。

　　在如此特殊的时间点上操持这件艺术盛事，画廊周北京总监王一妃和她的团队经历了众多的挑战。事实上，当大多数艺博会、展览纷纷宣布取消、延迟、待定之时，画廊周北京2020就官宣了准确的时间。这背后是多次紧急的会议、商讨、对时间的推测、根据实时情况不得已的改变、推翻……当3月国际疫情开始蔓延之时，王一妃决定在心里留出最差预案的同时，督促团队以15天为一个阶段来调整策略。“这对我们的团队是个折磨，因为你的工作量是以前的三倍。疫情的状态每天都在变，政策也都在变，但我们不能每天也跟着变，所以就以15天作为一个节点，一直在非常困难地推进。”

　　直到4月底确定线下活动能够如期举行，王一妃和团队充分利用了仅有的22天，重新敲定工作重点，采用线下和线上结合的方式，保证了项目框架的完整，同时根据当下情况，延展出了论坛的新议题，引起了更为广泛的关注。

　　W：四月底的时候，得知外地和北京可以正常来往，不用隔离14天的政策，我们迅速跟VIP部门开会说，国内地区的收藏家是重点邀请对象，国际贵宾转成全部在线上传播。我们整个的策划主体完全没有变化，没有做任何的缩水处理，我们的新势力展览和公共单元，你都看到了，其实工作量是特别特别地大。我们是在22天之内，超高压地给我们的团队去把这个活动去做出来的。从二月份疫情开始，我们一直都在工作，只是转为线上，这保证了我们前期的项目筹划是特别充分的。不只涉及本地，还有一些论坛是涉及到国际的，包括我们跟蛇形美术馆、苏黎世艺术周的合作，都是前期早就策划好的，我们只是把原来线下的转为线上。所以我比较欣慰的是我们整个的项目框架都保留的很完整，就虽然说艺访单元是最受重创的一个单元，因为我们谈好的五家画廊和一个非营利交换都无法线下完成，但是我们也把它转成一个意见的互访，会在持续一年之内，中国本地的发言人和苏黎世那边的发言人都录制一分钟的小视频，然后进行交换。另外，我们的论坛也保留住了，而且也非常符合当下的疫情过后的思考，是关于挑战和机遇的。

　　W：我们配合的自媒体传播、网站、还有APP，我们的APP的开发是非常重要的，这个事其实去年一结束我就在做，原本的计划是希望它能够作为观众的一个工具，不论收藏家、媒体、艺术爱好者都可以下载这个APP。所有的参展机构能在上面迅速定位，其实大家有个误解，以为画廊周北京只在798，其实我们是辐射到全北京的。所以我们比艺博会更加需要APP，让大家在看展览之前能够知道画廊做什么展览，然后看展览的时候能够迅速地找到这些作品。疫情之后，大家最需要解决的问题其实还是画廊的一个销售问题，我反复谈过，我们其实不太想过早地拿商业作为一个宣传点，因为我不太想用卖多少作品来当作一个桎梏来要求画廊。这样的话，那大部分的画廊都会做架上。其实我们的最佳展览奖，就是为了让大家去做更有意思、更能代表他们品质的展览。针对这种需求，我们必须得有APP，提倡观众去了解每一个展览，和每一个画廊深层次的内容，而不只是说就停留在商业层面。但是疫情之后，画廊生意也都不好做，所以我们不得不转向了推出线上展厅，让收藏家可以在自己的后台看到价格。这对我们来讲是一个挑战，为了保护画廊信息安全，我们后台的精细程度要求很高，做到只对收藏家公布价目表。我们今年还临时有个举措，在开幕前做了一个预览，发给了我们所有重要的国际的基金会和美术馆的收藏部，让他们了解每一个画廊主推的作品。这些方面的努力，都是希望在疫情期能够帮画廊能够促成一些销售。在这么特殊的阶段，你要还是不谈市场的话，有点残忍，我们希望能多带一些客户来，让这个圈子的商业能够运转起来。

　　另外一个渠道，我们和快手合作，推出公共单元的直播，是我们的平台首次在快手上面亮相。还有在艺、雅昌，针对我们的学术论坛、专题论坛，有他们的直播渠道。在线渠道能够起到非常多的辅助作用，但还是不会把它当成是我们的主体去做。因为画廊周还是倡导大家会到线下观展，我还是最希望大家可以来到现场感受艺术，感受文化。

　　W：画廊周有一个特别重要的核心理念，就是以展览作为主要的单位去推广，而博览会更多是将世界各地的画廊作为一个单位去推广。我们会希望把内容挖掘得深入一点，更多是关于我们本土的声音，会介入一些其他的画廊周，包括我们跟苏黎世画廊周的合作，未来有可能跟伦敦合作。我们一定是以展览作为最最重要的指标，我要确定的是整个画廊周期间的展览面貌是不一样的，所以如果要是你作为一个收藏家的话，那我可能会推荐你一定要去看画廊周。首先画廊周所有的展览都是学术委员会选择出来的，构成包括美术馆馆长whatsapp网页版在哪里对话、资深画廊主，等于说同行评同行，标准是比较高的。所以它能保证一个较高的学术性，在这儿，你有一个语境去了解本地艺术生态。

　　其次，每个画廊都爱推出艺术家的个展，因为个展最能够讲清楚这个艺术家的创作脉络。你来画廊周的话能看清楚好多艺术家的作品衍变过程。然后，你可以在这里看到艺术家的最新创作，而不是别人挑剩下的作品。现在的收藏家成长非常快，他们对于当代艺术内核的要求是越来越高的，如果你创造的这个平台能满足他们这些需求，我相信是非常地有前景的。

　　当然博览会是非常好的，我所有国际的博览会都会去看。但博览会是一个非常泛的平台，机构太多了，我觉得在博览会上你很难有语境去了解一个艺术家十几年来在做什么，你可能看到的就是某件作品挺不错的，它完全是不同的诉求。

　　W：我们今年还是非常鼓励新的参展机构，所以可以看到今年也有很多新加入的画廊，尤其是一些特别年轻的画廊，但他们的方案特别好，我们也会把他们放进来。参加了画廊周之后，迅速就让大家都知道了这些画廊在做什么。

　　W：现在国内经济发展的特别好，但是大众对审美的要求还需要提高。我发现现在年轻人其实特别地想要了解当代艺术，真的没平台、没渠道，只能去那几个美术馆，对于画廊他们完全不了解，觉得太高冷了，跟他们没啥关系。我特别希望建立公众和艺术之间的关系，而且其实现在当代艺术家的一些作品标价，对于工薪阶层也没有那么高的门坎。我在苏黎世进到的几乎每一个家、餐厅，包括警察局，到处都是艺术作品，警察局还是很知名的艺术家的装置作品，我当时都震惊了，所以说，公众教育多么重要，艺术真的应该去走进到千家万户。你想想我们当下发生的艺术，当下发生的文化，再过一百年回头来看，那不就是现在我们往回看的一百年前的大师吗？我们现在如果可以去接触，哪怕就不是说买作品，就通过看展去参与了这个进程，我觉得都是非常了不起的一件事。而且你看艺术品多了，一定对审美是有极大极大的提高的。

　　法证建筑、韩冰、何采柔、何恩怀、劳伦斯·阿布·哈姆丹、胡芮、蒋竹韵、李燎、陆垒、奥利弗·拉瑞克、米卡·罗滕伯格、李文嘉、夏娜·莫尔顿、佩恩恩、邱岸雄、沃尔夫冈·提尔曼斯、童义欣、王兵、许家维、徐世琪、杨福东、皮埃尔·于热、张慧、张培力、赵仁辉和致颖。

　　2020年5月21日至8月30日，UCCA呈现群展“紧急中的沉思”。这是UCCA北京于2020年举办的首个展览，汇集26名国内外艺术家，对“在危机中，艺术何为？”展开了探讨，寻求艺术给予我们的藉慰、反思与凝聚力。

　　“紧急中的沉思”由UCCA展览团队：郭希、栾诗璇、秋韵、林鹭琪、杜帆和张南昭策划。展览以5个章节展开，聚焦于人们的日常生活、身体和生命政治学、人与动物的二元对立、人类的迁徙与地缘性和信息化对社会未来范式的影响，通过26名参展艺术家的作品对当前社会现实的构建，及当下对未来的影响进行审视和思考。展览标题取自美国诗人、纽约现代艺术博物馆（MoMA）策展人弗兰克·奥哈拉（Frank OHara，1926-1966年）所著的诗歌选集，他在一首诗中如此写道：“在危难时刻，我们都必须再三思索我们爱的人是谁。”

　　一如全球其他艺术机构，在变化莫测的2020年，UCCA亦根据事态发展采取了迅速灵活的应对措施，将原本计划于春夏举办的展览推迟至今年晚些时候或明年展出。而“紧急中的沉思”则是在全球出行与物流受限的大背景下，基于当下现实考量的一次快速回应。尽管面对以上条件的限制，本次展览依然为我们观照当下提供了一个契合的切入点，UCCA策展团队重新将目光聚焦于区域语境和紧急状态下艺术的迫切表达，汇集国内外新兴与知名艺术家的作品，基于对艺术的反思为人们提供了一个消解现实、反思当下，回归新常态的契机。展览中多数作品虽创作完成于2020年前，但当我们以当下视角重新对其进行审视时，这些作品又呈现出了新的意义。

　　艾安 、蔡国强 、丁乙、方力钧、俸正杰、高孝午、杭春晖、何云昌、黄锐、金沙、李宁、李益、林于思、刘庆和、刘小东、马树青 、邱世华、宋冬、隋建国、唐晖、田卫、王舒野、王玉平、魏久捷、吴强、徐冰、杨勋、杨迎生、叶剑青、袁顺、岳敏君、曾健勇、张诠、张天军、张天幕、张小涛、朱建忠、朱金石、朱岚。

　　东京画廊+BTAP于2020年5月18日至8月8日在北京空间展出“还会与你相见——东京画廊+BTAP70周年特展”。作为日本以及亚洲第一家从事当代艺术的画廊，成立于1950年的东京画廊已经走过了70个年头，2020年东京画廊+BTAP将在东京和北京的两个空间举行纪念画廊70周年系列展览。

　　北京空间用本年度首展“还会与你相见——东京画廊+BTAP70周年特展”开启对东京画廊+BTAP极具意义的这一年。邀请了东京画廊成立至今合作过的包括徐冰、蔡国强、隋建国、丁乙、方力钧、刘小东、王玉平、王舒野、叶剑青、曾健勇等在内的39位中国艺术家参展，展出包括绘画、雕塑、装置、影像在内的八十余件作品。这也是东京画廊+BTAP在2020年的首次展览。

　　在东京画廊+BTAP成立的70年、700场展览中，充满想象力的实验性，以及在亚洲自身语境中构建亚洲当代美学观，一直都是东京画廊+BTAP举办展览、推介艺术家的两条准则。

　　正是田畑幸人将画廊定位为“一个有着无限可能和想象力的实验性空间”，东京画廊+BTAP帮助推动了日本、韩国和中国当代艺术的发生。东京画廊从上世纪60年代开始，先后推动了日本的“书象”“具体”“物派”、韩国“单色画派”，以及80年代后的中国当代艺术在国际的发声，为白发一雄、李禹焕、朴西甫、金昌烈、菅木志雄、关根伸夫、蔡国强、徐冰等艺术家策划了数场展览。2002年北京空间（BTAP），更是通过无数艺术家个展，以及“北京浮世绘”、“念珠与笔触”等大型学术展览，为中国当代艺术的生长搭建了平台。

　　山中天艺术中心以“从屏幕到观念——50年的历史”作为开馆首展，这是国内首个呈现屏幕艺术起源的展览。通过30位前卫艺术家的作品对在线屏幕艺术进行溯源，让我们得以一次性统览包括贫穷艺术、极简艺术等在内的众多星光。

　　从参展艺术家来看，观众将从两方面领略近50年历史中那些伟大艺术家的创造：一、约瑟夫博伊斯 (Joseph Beuys)、吉尔伯特与乔治 (Gilbert & George)等横扫20世纪末欧美观念艺术领域的大师将分别从人文主义、叛逆精神等角度，邀请观众进行一场畅快淋漓的解构；二、里查德塞拉 (Richard Serra)等已经在全球获得高度认可的大师则提醒观众不妨静下来，体会冥想的妙义。

　　在后疫情时代，人人与屏相伴。该展提醒我们以史为鉴，展望未来，同时为探索、理解和讨论当代艺术如何在线上环境中发挥作用，提供了独特的可能性。正如策展人乔纳斯斯坦普（Jonas Stampe） & 肖戈所说：“从这段早期的在线屏幕艺术历史中，得以带给观众关于屏幕艺术开端的探讨，并为探索、理解和讨论当代艺术如何在线上环境中发挥作用提供了独特的可能性。同时，它也可以指导我们从其历史中学习，以提高对其风险以及许多变化的认识，重新思考艺术在传媒社会中的身份、定位与意义。”

　　星空间呈现的温凌个展“月饼脸”5月22日开幕，作为“画廊周北京”的参展项目，该展将汇集其创作于不同媒介的作品共计34件。

　　“月饼脸”系列始于2009年，温凌最初将其命名为“FMB”，即“Full Moon Boy”的缩写。“面如满月”，语出《敦煌变文集·维摩诘经讲经文》，意思是脸盘圆圆的、白白的，像满月一样，往往用以形容相貌白净丰满且富有神性。温凌的“月饼脸”虽与“面如满月”的字面相近，但所传递的感受却大为不同：他们是一群面容古怪的人物，五官因“异化”而成为某些特定的符号，比如乳房、电子设备或北京长安街的地标建筑等，他们的“人设”皆来自于温凌在现实生活中所受到的刺激和启发，混合着他的日常记忆和经年累月持续勃发的潜意识，既富于想象力又饱含着有据可查的批判性。通过这些超现实人物，温凌试图展现其看待世界的角度，用貌似天真可爱、实则荒诞不经的方式述说他的“三观”。

　　作为一个虚拟人群，“月饼脸”不仅呈现为不同材料、不同风格的绘画，还蔓延到微信表情、大型户外广告等公共领域，并通过与服装品牌素然的合作，进入消费者的衣柜。本次个展，将以作于2019-2020年间的布面绘画为主，在经历了一系列多元化的尝试后，温凌试图触碰有关绘画的核心命题，以独一无二的个人风格，为“月饼脸”寻求在绘画历史长河中存在的意义。

　　葛宇路1990年出生于湖北武汉，2013年毕业于湖北美术学院影像媒体专业，2018年于中央美术学院获得实验艺术硕士学位，现工作、生活于环京地带。葛宇路的兴趣多集中对城市公共空间及公共生活的观察，试图通过作品调侃生活中隐藏的矛盾，消解固化的权力结构，制造新的动态关系。他近期参与的部分展览包括“情的时代”爱知三年展，日本名古屋（2019）；无界艺术季，扉美术馆，中国广州（2019）；“家的变迁”，金泽21世纪美术馆，日本金泽（2018）；中国当代艺术年鉴展，民生美术馆，中国北京（2018）；“应力场”第四届美术文献展，湖北美术馆，中国武汉（2017）；CAFAM双年展－空间协商，中央美术学院美术馆，中国北京（2016）等。他曾入围2019艺术8青年奖以及第十三届AAC艺术中国年度青年艺术家（2019）。

　　当代唐人艺术中心于2020年5月20日在北京第二空间推出赵赵个展“白色”，由崔灿灿担任策展人。

　　“白色”是赵赵在2020年的第一个个展，也是对仍在松美术馆展出的“绿色”的延续。与过去的西部三部曲（塔克拉玛干、沙漠骆驼、弥留）不同，这个全新的序列和故事，由颜色的变革开始，它不再局限于地域性和即时性，它的视野和指向的问题变得更加广阔和磅礴，作品中的时空也因此悠长久远。如果“绿色”是序曲，“白色”便是赵赵这个全新举措中最重要的开篇，亦如颜色本身的象征，混沌之后的第一束白光，万事万物的纯洁之初。

　　“白色”只有一件作品，一个元素。它由棉花引向一段天翻地覆的历史，又在艺术形式中将所有往事与象征隐退消失，直至白色本身的含义，包含所有，又万念皆无。

　　当代唐人艺术中心于2020年5月20日在北京第一空间，推出国际知名艺术组合AES+F的个展“预言寓言”（What Came to Pass）。作为AES+F十年来首次在中国举办的个展，“预言寓言”呈现两个由大型影像装置和数码拼贴组成的艺术项目——《神圣的寓言》（Allegoria Sacra，2011-2013）和《颠倒世界》（Inverso Mundus，2015-2017）。展览旨在对这两组大型作品进行回顾性的自我反思，它们从心理分析的角度分别剖析了2010年代初和中期的人类状态。展出的两件大型影像作品皆曾于威尼斯双年展上展出，并获得国际诸多奖项。

　　AES+F是一支由四位俄罗斯艺术家组成的艺术组合，他们的实践跨越传统媒介和新兴技术。AES+F的作品以高度概念化和极具挑衅意味的风格为特征，透过历史经典的棱镜折射出当代世界的媒体流。他们将自己最具代表性的实践方法称为“社会心理分析”，并通过它来揭示后全球化时代的缺陷和冲突。

　　亚洲艺术中心作为八十五岁高龄的老一辈艺术家，李玉双先生是美术界鲜有的坚持以自然为题材、坚持在自然中创作的艺术家。他将写生视为生活的一部分，理工科的知识结构背景促使他在写生时融入自然科学的视角，从而形成一套独特的观察方法和绘画体系，李玉双称之为“光编码”画法。

　　展览全面梳理李玉双先生从艺迄今六十余年的艺术探索成果，展出涵盖油画、水墨、素描、手稿等形式在内数十余件作品。

　　CLC画廊张淼出生于北京，他于2004年考入中央美术学院油画系，于2008年本科毕业。2010年的画廊个人首展《至自己》开启了他的职业生涯。Halo是他自2010年以来的第六次个人项目。

　　麦勒画廊此次展览是邱世华在中国最全面完整的一次亮相，其中包括横跨艺术家25年艺术生涯的布面油画及纸上油画作品，创作地点也体现了邱世华不同的生活阶段，包括北京、深圳，以及美国萨克拉门托。邱世华的白色风景遵循了一千多年前的传统，然而从外观上看，它们似乎非常现代，甚至具有挑衅性。

　　常青画廊为庆祝常青画廊在中国成立15周年，常青画廊于去年十月开启的一个独特的展览将持续到今夏结束。常青画廊将通过每个月为展览添加新的改变，集合展出曾在常青画廊北京空间举办过首次中国大型个展的多位艺术家的作品，以此回顾十五年历程。

　　今格空间这次展览的13件作品是艺术家在2004年至2019年间创作的“无题”系列的代表性作品，同时展出了8件色彩研究手稿。从2004年的作品《无题 作品 97-04》开始，沈忱的创作中不再出现纵横交错的线条，而是使用定制平头笔刷以单一的纵向线条占满整个画布，并且确立了从2004年至今沈忱抽象绘画的绝对性形式语言。

　　蜂巢当代艺术中心段建伟的作品一直以来都具备一个大格局的时空观。从时间的维度上来看，段建伟笔下极具中原色彩的人物身上同时展现着日常的延展性和富有仪式感的瞬时性。从空间上来讲，段建伟所描绘的是一种中国农业社会的缩影, 作品对于人物关系的微妙处理无不渗透着中国社会传统而深远的民族性。

　　蜂巢当代艺术中心本展览将集中呈现艺术家蒲英玮所全新创作的五幅历史性系列组画《时间，历史，我们》，以及与此命题相关的装置与录像。这些作品将是个人与集体、国家与种族、记忆与当下、土地与迷狂的多相重叠，它将横贯于展厅之中，作为一切叙事可能的链接。

　　蜂巢当代艺术中心本展览将体现数位躯壳的“遗迹”现场，透过艺术家钱泓霖一直关注的创作主题“身体与记忆”，从“数位遗骸”的概念出发，营造出一个科技末世论的未来，数位科技没落后的时空中，人类科技存在的证明产物——一副被抛弃机械残骸的遗迹现场。

　　拾萬空间本次展览主要呈现的是高索都在包头生活期间的所见、所想和所画。面对日益增高的生活和创作成本，以及不断加剧的“我到底应该站在什么位置”的追问和思考，高索都最终还是选择回到包头生活和创作。在此次展览中，高索都追求的并非艺术表达中的准确性和精神性，他更倾向于将这种“梦游”般的文化撕裂感呈现出来。

　　长征空间“静音”是艺术家的行为法则——绝对的无声作为一种选择，意味着绘画是一种拒绝系统支撑和观念佐证的实践。“静音”是一个拒绝文字和声音的展览——它不会提供艺术家自述、评论人阐释、展览标签，或是任何其他形式的展览指示。

　　魔金石空间唐永祥绘画中的原始图像取材于生活场景。从现实到图像，再从图像到绘画，唐永祥所关注的始终是从物质到意识的转变过程中形的面貌、形与形联系。基于个体感知与经验，唐永祥透过对图像的层层覆盖、局部错置、向内递进，最终提炼出形的关系结构，重塑了事物的轮廓与肌理。

　　三远当代艺术中心在此次展览的作品中，马轲延续着对人类诗意栖居的关怀，并在绘画语言上通过与二十世纪现代绘画大师的对话，更进一步地探索绘画本质的复杂性，从而敞开绘画自由之门。

　　偏锋画廊麦克林被艺术界称为“伟大的色彩学家”，也是继塞尚和马蒂斯之后，深度探讨、构建绘画与色彩关系的艺术家。偏锋画廊在画廊周北京期间隆重推出英国著名艺术家约翰·麦克林逝世周年纪念展“成为约翰·麦克林”，将呈现艺术家自上世纪70年代以来不同阶段的风格和探索，尤其是晚期成熟恣意的绘画形态。

　　站台中国当代艺术机构“自选集”除了字面含义之外，更重要的是呈现刘港顺的关于自我生成与话语输出的内在逻辑，其作品构成了主体和信息关系的集合，在该层面上我们可以看到艺术家所独有的方法论，它们有时是清晰的、有时是疑惑的，甚至是混沌的、任性的，但我们会阅读出那个丰富而精彩的刘港顺。

　　站台中国当代艺术机构dRoom本次展览汇聚了毕建业的多个绘画系列，从不同面向呈现出他近年来的探索性实践。他将对现实世界的复杂感受转化为巧妙的图像隐喻和主题叙事。作品中具有情绪力的内容和运动感的形式也标志着他在个人绘画线索上的最新推进。展览由策展人王将担纲策划。

　　SPURS Gallery继王加加2018 年在博而励画廊*（现已更名为SPURS Gallery）的个展“带你飞”后，艺术家的全新创作将首次亮相画廊空间。以创作过程与结果的博弈作为形成作品面貌的方法，以及艺术家对现成品图像的有意选择，令王加加的艺术在围绕着在当代景观中无处不在的数码图像展开叙事的过程中，形成了在流行元素与经典制式矛盾之下、不同文化庞杂交融的精神图谱。

　　SPURS Gallery2020年是无名画会成员韦海逝世的十周年，此次同名个展将以小型回顾展的方式缅怀艺术家。韦海无名时期的艺术理念:回归原始、拥抱自然，在大自然中找寻创作纯艺术的激情去对抗艺术政治化，反对一切艺术标准和权威；到了“后无名时期”，韦海的艺术转为对生命永恒苦难的体验，各种矛盾的冲撞使之形成广泛反经验的绘画理念，展览将呈现艺术家不同时期创作的转变。

　　空间站多年以来，李洋以科学研究的方式如实记录自己的每一个梦，完成了“少年梦”系列，以及他人的梦“做梦绘画增长”系列，他如同一个梦的捕手一样，事无巨细地描绘每一个梦里出现的意象，并把它们归档、分类、总结和梳理。我们可以把梦作为人的另一种感知的类型，潜意识不是通过文字语言系统在与你沟通，而是透过图像、感觉和情感，还原一个更加真实的存在世界的体验。

　　艺·凯旋画廊此次展览展出张丹于2019至2020年创作的最新作品。艺术家以多种媒介，如架上绘画、装置及影像等形式阐述生态系统内万物之间的内在联系，让其自然发生形成观念传达，同时探索某种观念背后存在的意义。展出作品从生态、生命存在、纪念碑三个角度入手，在世界中找到物、物态、某种关系等作为切入点，进而形成艺术家自身独特的对世界的认知体系。